舞蹈论文舞蹈毕业论文精选6篇

2023-12-24 14:33:57

无论是在学习还是在工作中，大家都尝试过写论文吧，论文是学术界进行成果交流的工具。那么，怎么去写论文呢？下面是书包范文为您带来的舞蹈毕业论文精选6篇，希望能够给大家的写作带来一定的启发。

舞蹈毕业论文篇一

学前教育（preschooleducation）是一门综合性非常强的学科。与此同时，学前教育是就业率排名最高的专业之一，几乎是供不应求，很多幼儿园都需要提前下“定单”来保证自己的教师资源。然而，每年仍然面临许多学前教育专业的毕业生找不到工作的情况。究其原因，是因为社会不是缺少幼儿教师，而是缺少高文化高素质的幼儿教师。这就需要学前教育的教师，不仅要拥有一定的艺术实践能力（包括普通话、歌唱、舞蹈、钢琴、美术等技巧），还要拥有广博的文化素养与待人接物的智慧，以及敏锐的科研意识以及良好的科研能力。

而大专学前教育专业的学生构成较本科相对多样。但归结起来有以下共通点：首先，对学前教育专业有一定程度的了解（至少明了毕业之后的工作去向及自己的职业发展方向）；其次，本身对艺术比较喜欢或者有一定的艺术素养；再次，幼儿学前教育最基本的年龄段是5—6岁，因而作为他们的老师，有耐心，性格相对稳定是必须要有的先决条件。

相对于艺术类学生更注重专业方面的要求，学前教育大专的学生在专业程度上未必有很深的要求，但学前教育专业的特殊性又要求她们具备艺术传播方面的基本素养。这其中就包含了舞蹈等艺术类课程教学法的问题。作为艺术类课程的重要环节，舞蹈类课程的教学几乎贯穿了学前教育专科教学的始终，比较多所高校的专科教学大纲来看，舞蹈课程的设置不外乎舞蹈形体、各个舞种（芭蕾舞、古典舞、民族民间舞、现代舞、爵士舞等等）的学习，及幼儿舞蹈的教授与编创技法。众多的课程，繁多的舞种，怎么样才能在舞蹈基础不是很深厚的情况下尽快的掌握各个舞蹈的舞种风格，并且让没有太多表演经验的人迅速进入舞蹈状态并提升自信是学前教育专科学生将面临的问题。

教学目标一致，教学内容固定，然不同的教师教授的学生呈现出不同的教学结果，除了学生自身的素质之外，教师的教学方法无疑是产生不同的原因。教学方法是教学工作的理论依据，在舞蹈教学中，舞蹈教学的理性化思维就是教学方法。用教学方法指导实践，两者相辅相成，相互促进。几十年来，舞蹈教学方法在其传承的过程中，应当成为新的教学理念的指导，而不应该成为其在探索过程中的羁绊。教师想要实现教学设计和控制的科学化，必须对其教学内容进行科学的和本质上的认识，一旦认识有了偏差势必得不出科学的方法论，更谈不上科学的指导和控制，相反，则会导致教学的盲目性。

那么如何利用舞蹈教学，发挥课堂的作用，切合实际的发挥素质教育的功能。有的学者认为“素质教育是要提高学生的全面素质，不只限于文化艺术学科素质”。所以课堂教学不应作为素质教育的唯一方法，这一说法不无道理，但就目前来说，社会以考试为主要的录用人才的制度没有得到根本改变，学校考核教学效果的方式也没有彻底改革，因此，学生在学校的活动还不能脱离课堂教学这一主要形式。任何将学校教育游离于课堂教学这一主要形式之外的想法都是不现实的，课堂教学从任何一方面来说，都不是推行素质教育的障碍，也不是产生应试教育的温床。因此，我们没有理由淡化课堂教学，另辟蹊径。我们应该把注意力放在课堂教学这一主要方式上，充分发挥它的作用，那么如何发挥呢？我认为应该注意以下几个方面的问题。

1、精心设计课堂教学的目的就是要让学生在有限的时间内获得更多的知识。要达到这一要求，作为教师来说就要根据学科知识特点，利用一切可利用的手段，采取灵活多样的形式，设置一定的目标，发挥学生的主体功能和教师的主导功能“以导促学”完成课堂要求的基本任务。同时值得注意的是舞蹈课堂教学都是由浅入深、从简到繁，通过不断的练习达到逐渐掌握、不断巩固的目的。经常复习和舞台实践，就不致有学新忘旧的现象。利用教师渊博的知识和对教学课程的精心设计和舞台的表演实践，极大调动学生学习的积极性和获得知识技能的快乐感，形成良性循环，减轻学生学习的课堂负担提升自信，获得较多知识和对舞蹈学科更多的了解。

2、注重学生能力培养。素质教育归根结底还是要培养学生的能力，而能力又是在知识的教与学中能中形成的，所以加强课堂教学中对学生能力的培养是素质教育的核心，其内容包括：

（1）观察能力是一种有意识、有计划的高级知觉形态，它是一种积极的能力。据测，人的信息量的30—90%是通过视觉观察得来的。鲁迅说：“如要创作，第一须观察。”因而舞蹈课程的教授，首先要有观察的能力，要观察生活，观察各类舞蹈活动，而且在观察中善于以舞蹈家特有的思维方式进行思考归纳。让学生学会分析、观察所得的信息，导出正确合理的结论，从而发挥意识对学生智慧的启迪作用。

（2）培养思维想象能力。思维是智力的核心，思维能力包含的范围很广，舞蹈学科的思维力主要指形象思维能力，特别是动作思维能力。当它发展到高级阶段时，它本身也存在动作的抽象思维能力。一个经过系统训练的舞蹈家，对动作的敏感性，就具备归纳、概括、划分与综合的能力。因此非常的利于培养他们对表现与研究对象的本质与规律的认识。凭借观察记忆中的各种信息，运用思维形式，经过主观的加工、组合与改造，创造出过去未曾感知过的舞蹈形象的一种心理过程。

舞蹈的教学方法在历史的扬弃过程中，不可避免地会出现一些不尽如人意的地方，它往往体现在教学方法的个体差异性上。在舞蹈教学实践中，不同的教学方法产生出的效果和效应大不相同。如果授课人不注意新的教学方法的学习，始终固守落后的教学方法，不但意识不到它的错误和在教学过程中所产生的危害，恰恰相反，却依然盲目地行进在这条所谓的正确的道路上。而与时俱进，始终坚持不断学习先进的教学方法，无疑是一种积极的、具有探索精神的、值得肯定的态度。它在某一点或几点上突破陈规，脱颖而出，并在教学实践上取得成功。这种积极的教学态度所孕育出的新的教学方法，在经过实践检验后，必然会成为舞蹈教学史上的一个新的里程碑。

总之，学前教育舞蹈课程的教学方法在总结继承、与时俱进的基础之上还要做到的就是因地制宜，因材施教。只有不断秉承这一指导思想，才能在具体的实践教学中不断进步！

舞蹈毕业论文篇二

一、引言

舞蹈是一门形体艺术，在动作的表现上不仅会给人以美的享受，而且也是内心情感的充分表达。[1]舞蹈也是一种表演形式的艺术，观众在进行舞蹈欣赏的过程中会加入自己的生活中的感悟和理解。舞蹈表达着舞者的精神世界，通过自己的专业性动作和一些创新风格的融合，引起观众的共鸣。随着改革开放的不断深入，国家对人才的要求开始产生多样化的特征，普通高校在人才培养方面，逐渐开始真正的将素质教育落到实处，不仅仅注重学生专业理论知识的学习，更重要的是让学生在德、智、体、美、劳等方面进行全面发展。那么在舞蹈的过程中就会涉及一个深刻的问题：舞蹈表现力。

二、舞蹈表现力的深刻内涵

一部优秀的舞蹈作品可以引起观众强烈的共鸣，可以从本质上打动人的内心世界。舞者主要是通过自己的肢体语言与观众进行情感上的交流，将自己的感情世界传达给观众。当年的“千手观音”引起了观看者的震撼，之所以会有如此的效果是因为舞者的舞蹈表现力。相对于普通高校的舞蹈学生而言，仅仅具备基础的舞蹈动作是绝对不够的，最重要的是具备细腻的情感，然后与自己的舞蹈动作相结合将情感表达给观看者，只有这样舞蹈才会成为真正的艺术品。总而言之，根据相关学者的阐述舞蹈表现力分析可以这样来解释：首先，基本形体动作构成了舞蹈的基本模式，但是舞者一定要从情感的角度出发，运用相应的舞蹈技巧将自己的内心世界和丰富的情感传递给观众，真正的将自己和舞蹈融合为一体，让观众从舞者的动作和情感中可以看出表演者的快乐、喜悦与忧伤，让观众从舞者的动作、神态、表情中体会细腻的情感世界，从而产生共鸣。

三、舞蹈表现力的重要作用

（一）传达精神内涵的重要途径

舞蹈是一门综合艺术，它不仅仅是为了愉悦观众或者给观看者一定的审美享受，更重要的是通过舞者的肢体语言和相应的神态来传达该舞蹈的精神内涵。[2]同样的舞蹈作品不同的表演者会诠释出不同的风格，一个优秀的舞蹈作品不仅在舞蹈的编排上独具创新，而且最为重要的是舞蹈者会传达出舞蹈的精神内涵，这才是舞蹈真正的魅力所在，只有将精神层面的的文化内涵淋漓尽致的表现出来才会引起观众的共鸣。

（二）评价舞蹈演员的重要标准

一个优秀的舞蹈演员只有单纯的舞蹈基本功是远远不够的，也不是看舞蹈的难度系数达到了多少，而是看重舞者是否具备很强的舞蹈表现力。舞蹈是由一个个舞蹈动作组成的，但是这些都只是机械的'肢体语言，舞蹈动作要想达到艺术语言的层面，就需要舞者具备较强的误导表现力。

四、普通高校增强学生舞蹈表现力的措施

良好的教学方法有助于提高学习效果，与普通的文化课知识学习不同，舞蹈专业的学习具有一定的特殊性。随着改革开放的不断深化，教育改革也在与时俱进，素质教育被提上日程。传统的舞蹈教育也属于“填鸭式”教学，授课老师知识根据传统的教学习惯进行舞蹈知识的传播，这在很多程度上就损害了学生自己的创造能力，并且很多的老师片面追求舞蹈技巧，导致的是舞蹈表演毫无新意而言，很难与观众产生情感上的共鸣。

针对以上种种现存的实际问题，我们提倡老师改进传统的教学方法，要从实际出发，根据学生身体发展的特质和心理等多方面的差异进行不同程度的改进。一方面老师要进行舞蹈理论知识的学习，让学生有一个扎实的基本功。另一方面不断的提高学生的审美水平，要求学生不断地观察生活并且热爱生活，只有这样创作出来的舞蹈才会具有生活张力。课下老师要与学生积极的沟通和交流，认真听取学生的意见和建议，以便在以后的教学工作中不断的改进。

学校也可以增加一些舞蹈比赛或者不同形式的舞蹈演出，让每一个舞蹈专业的学生都充分的参与进来，在不断的实践中学生会加强对舞蹈的创造性。也可以实行舞蹈学习小组，同学之间充分发挥自己的创新能力进行舞蹈再创造，一方面加深了对舞蹈的理解，另一方面也增强了与同学之间的友谊。

五、结语

舞蹈是一种独特的艺术形式，普通高校应该注重老师的专业素质和综合素质，通过多种方式提高老师的授课水平，行之有效的手段加深学生对舞蹈的创新，不断的在实际工作中总结经验，将“以人为本”的教育理念真正的落到实处。因此，舞蹈表现力是提高学生舞蹈水平的一个重要环节，学生只掌握单纯的舞蹈技巧是远远不够的，还需要不断的加深自己的艺术修养和审美水平，要注重自己表现力的培养。学生和老师都应该从舞蹈动作、眼神、舞台表现力等多个方面进行全面提升，我们相信在不久的将来我国普通高校的舞蹈专业会有一个更加光明的前景。

舞蹈作品论文篇三

舞蹈与音乐均是一种极具美感的艺术，散发着艺术美，传递出丰富的情感，给人强烈的心灵震撼。在舞蹈表演中，音乐的作用不仅仅是简单的伴奏，而是深深融入到舞蹈表演的“骨髓”，虽与舞蹈艺术相互独立，却是不可或缺的。在音乐的伴奏声中，舞者随着音乐的旋律、节奏以及所流露出的情感用肢体动作形象地展示出来，既能升华音乐的审美效果，还能展现舞蹈作品的艺术价值和艺术魅力，通过这种视觉和听觉上的刺激，展现出完美的舞台效果，让观众很容易就陶醉在艺术的世界里，观众的心情得到放松，情操得以陶冶。

一、音乐作品与舞蹈创作有机结合的必然性

在艺术的范畴内，文学、舞蹈、美术、音乐等艺术形式均是互通的。在艺术领域，舞蹈和音乐是最重要的两门艺术形式，所以二者之间存在较多的相似之处，由此可见，舞蹈创作与音乐作品的有机结合是非常必然的。音乐作为一门“听觉艺术”，可以直接吸引听众的注意力，对人的感官进行刺激，从而能够让听众跟随音乐的旋律变化而做出情绪反应。相比于舞蹈表演，音乐更容易抒发演唱者强烈而复杂的内心情感。然而，在塑造艺术形象的过程中，音乐有着明显的模糊性和抽象性，它所传递出的情感通常很难被听众完全理解与接受。舞蹈表演却有着自己的外部形态，舞者通过身体动作的变化更加直观、形象地传递出自己的情感和思想，而这正是音乐所或缺的，所以舞蹈与音乐各有优点与缺点。

通过上述可知，将舞蹈与音乐有机结合起来就能够有效地减少音乐的模糊性与抽象性，把音乐所流露出来的情感转变为肢体表现，从而让音乐的情感内容表现得更加具体、充满感染力，引起观众最为直接的情感体验，有利于观众更加深刻地理解舞蹈与音乐的内涵。此外，舞蹈与音乐的结合既能充分展现各自的艺术魅力，还能很好地展现出两种艺术形式结合形成的综合艺术魅力。立足于舞蹈表演的角度，可以说音乐是舞蹈表演的辅助和补充。若将二者同步展现，音乐则能对舞者起到帮助和启发的作用，极大地提升舞蹈表演的感染力和表现力。若二者不同步时，音乐带给人们的情感体验只是停留于“想象”层面，而舞蹈表演就能够将“想象”变成“现实”，给观众听觉和视觉上充分的情感体验，使观众通过视觉感知对情感进行区分、认识与强调。

站在舞蹈创作的视角来分析，舞蹈自身就具备很强的旋律性和节奏感。在编排舞蹈时，舞蹈表演者能够根据节奏的编排协调进一步规范自身的肢体动作。完美的舞蹈表演一方面要求舞者的舞蹈动作协调，另一方面要求舞者的内心节奏协调，即使是独舞表演者也需要做到心理节奏和动作节奏的协调统一。运用合适的音乐作品，能有利于舞蹈节奏的编排。伴随着灵活多变的音律，能够更深入、更细腻地展现出舞蹈表演者的心理变化和情感变化。同时，音乐还有利于烘托舞蹈的艺术氛围，让舞蹈表演声情并茂。显而易见，舞蹈与音乐是相辅相成、相得益彰的，二者的相互交融将会达到非常强烈的舞台效果，散发出浓浓的艺术气息，给观众无尽的享受。所以，舞蹈作品创作与音乐的有机结合是一种必然，必须做好舞蹈与音乐的相互交融与拓展延伸。

二、音乐表现手段对舞蹈作品创作的作用

(一)音乐构成舞蹈结构

音乐作品的结构非常复杂，且对结构有着比较严格的要求。不同种类的音乐有着不同的结构，但这些结构有着一个共同的作用，即是运用重复的手段来展现出音乐作品的主题内容和思想内涵。与之相比，舞蹈结构则相对简单而稳定。通常情况下，舞蹈作品通过动作的变化发展、层层递进来展现出舞蹈作品的内涵以及舞蹈演员的内心情感。舞蹈与音乐的相同特性就为二者的有机结合奠定了基础。每一部舞蹈作品都有着不同的结构，它们所呈现出的特点也是不相同的。音乐结构能够为舞蹈结构打造基本的框架，进一步规范舞者的舞蹈动作，让舞者的形体、动作以及表演节奏实现协调统一、完美衔接。比如，音乐曲式结构的基本单位是乐段结构，复三部曲式结构在舞蹈作品中比较常见，这种多次重复主题旋律的方式能够通过变化主题音乐，从不同的侧面深化主题，更能强调舞蹈表演者的情感。若舞蹈作品创作者想创作出一部成功的作品，就必须跳出音乐结构的框架，并且进行适度创新，从而把舞蹈的风格升华到更高的艺术高度。例如，可以选择由多种乐器演奏而成的音乐结构，一方面可以提高舞蹈表演的艺术性，另一方面还可以给观众带来耳目一新的视听冲击。

(二)调性促进舞蹈的情感传递

在音乐思维中，调式是最为重要的构成部分。调式在音乐作品中的主要功能是调节与规范和声或旋律。不同的调式有着不同的音阶结构，使得音乐作品呈现出不同的特性和色彩。舞蹈表演中的风格变化也需要以调式作为基础，只有熟练地掌握音乐中的“调式”才能创作出优秀的舞蹈作品。首先，创作者应该对不同的调式都详细了解，包括五声调式、小调式、大调式等，它们所流露出的感情色彩是各不相同的。其次，舞蹈创作者要擅长于调式的灵活转换，以此准确地体现出舞蹈作品丰富的情感色彩。例如，大调式结构的音乐作品通常体现出暖色调的情感，小调式结构的音乐作品则体现出冷色调的情感。同时，在舞蹈表现过程中，音乐调性的转变也有利于推动舞蹈剧情的发展以及人物内心世界的深入刻画。这可以准确地体现出舞蹈创作者所想要表达的思想和情感，促进观众的情绪起伏多变。即使是旋律相同的音乐作品，若调性不同，那么音域也有着明显的差别，所传递出的情感也是各不相同的。值得重视的是，在舞蹈作品创作中切忌将音乐作品的情感与舞蹈作品的情感设计成相同的，二者是存在差异的，所以不能简单地把舞蹈中的情感变化等同于音域高低的变化。

(三)旋律彰显出舞蹈情绪

由于音乐旋律的形式与人的语言的音调形式非常接近，所以音乐旋律的音律、形态、风格以及行进方向等多个方面非常容易被观众的感官所接受，能直接刺激人的感官，进而促进观众听觉上的强烈感受以及情感上的共鸣。在舞蹈作品的表演中，音乐的旋律直接影响着表演者的情绪，特别是旋律的行进走向，可以把舞蹈情绪演绎到极致，从而拉近了观众与舞蹈表演者的情感距离，给予观众丰富的、真实的情感体验。一般情况下，向上进行的旋律线所传递出的是有紧张度和增长的情绪；向下进行的旋律线传递出的情感的力度则有所减弱，即是放松的情绪。同时，旋律音域也在很大程度上影响着舞蹈情绪的发挥，音域的不同也使得舞蹈作品所表现出的感情程度不同、色彩不同。旋律音域的灵活多变对舞蹈表演者的空间动作有着直接影响，从而引发情绪上的灵活多变，升华舞者的情感。舞蹈作品创作者应该巧妙地运用旋律，充分展现出舞蹈本身所含有的独特的思想和情绪，逐步将观众带进舞蹈表演者的情感世界中，从而有利于观众更加深刻、全面地体味到舞蹈作品的情感和内涵。此外，音乐旋律还为舞蹈表演者创造更广阔的表演空间，让他们自由发挥，促进他们准确捕捉到舞蹈的情绪。在舞台上，音乐旋律四处环绕，渲染着整个会场的氛围，能启发舞蹈表演者，促进他们深入地、真实地、完整地展现出舞蹈人物的情感色彩。

三、音乐表现手段在舞蹈作品创作中的具体运用分析

在舞蹈作品创作中，音乐是非常重要的组成部分。音乐的表现手段通常分成两个部分，即基本表现手段和整体表现手段。其中，音乐基本表现手段一般涵盖音色、调式、节奏、旋律，而音乐整体表现手段主要是音乐的曲式结构，一般涵盖有一部曲式、单二部曲式、单三部曲式以及回旋曲式。音乐基本表现手段又是塑造舞蹈形象的基本材料，而音乐的整体表现手段是规范舞蹈逻辑关系的载体，其对舞蹈本体所塑造的形象具有重要作用。现通过举例分析音乐表现手段在舞蹈作品创作中的运用，具体如下：

以女子傣族独舞《月光下的象脚鼓》为例，这个舞蹈作品的表演方式是傣族女子独舞，道具为象脚鼓，有着浓郁的民族风味，该舞蹈是受到象脚鼓传说的启发而创作的。这部舞蹈作品的主题内容为一位美丽的傣族少女在幽暗月光下轻轻起舞拨动心弦的美丽画面。创作者在舞蹈与音乐的编排上，主要运用音乐结构中的复三部曲式结构，包括前奏、中部、呈示部和再现部等，利用再现部进行缩减，且将呈示部所表达的音乐主题进行再现，促使舞蹈的情绪始终都围绕主题变化。从整体而言，这部舞蹈作品的舞蹈结构和音乐结构并非是一次成型的，创作者运用反复创编来完成。在舞蹈编排中，创作者利用象脚鼓打出的音域和演奏速度的变化，舞蹈情感和音乐旋律的有机结合以及舞蹈结构与音乐结构的协调统一，充分展现出音乐表现手段与舞蹈表演作品在时间和空间上的统一，实现了舞蹈与音乐、影与音、舞蹈语言与音乐语言的统一结合、互相交织，带给观众极强的视觉和听觉效果，激发观众的内心情感，与之共鸣。

四、总结

作品创作中，音乐元素是不可或缺的，将舞蹈艺术和音乐艺术完美结合，就能给观众带来极强的艺术美，在让观众得到视觉和听觉上享受的同时，还能得到丰富的情感体验，从中受到启发，悟出生活道理。舞蹈创作者一定要认真研究音乐与舞蹈的特点和关系，熟练地运用音乐表现手段来提升舞蹈作品的感染力，调动更多观众的情绪，并且产生心灵上的共鸣，这样才能算作是一部成功的舞蹈作品。

舞蹈毕业论文篇四

一、增加舞蹈相关课程的比例

当前我国高等师范院校舞蹈教育专业的课程是由音乐基础课、教育类课程还有相关舞蹈课程组成，其中音乐基础课程所占课时最多，这就显得促进学生“专业”知识提高的相关舞蹈课程相对减少。这种不平衡的教学导致了毕业生在各方面都略有精通但是所学专业不够扎实的结果。

二、加强舞蹈理论课程比重

我国高等师范院校舞蹈技巧技能课程课时大于理论课程课时导致学生在舞蹈理论基础的学习上不够多，这归结于我国舞蹈理论课程发展较缓慢，也揭示了我国高等师范院校舞蹈教育注重技巧教学忽略理论教学的基本现状。加强舞蹈理论基础的学习才能提升对舞蹈技巧技能的把握。构建完整的知识结构才能促进舞蹈理论课程的发展。比如通过增设对《舞蹈编导常识》、《中国舞蹈发展史》、《舞蹈基础理论》这类课程的教学来灌输舞蹈定义、题材、分类、美学特征、艺术概念等涉及舞蹈艺术认识方面的知识，分析舞蹈作品在音乐的引导下的创建构造过程，一个舞蹈动作是如何萌芽、发展以及转变过来的都是需要对学生进行讲解的；还有完整舞段和舞剧的出现。

三、增设舞蹈实践与创作课程

实践课程对学生完善自身知识的结构、能力的培养和技能的增强、早日投入教学与研究中以及适应瞬息万变的社会都发挥着有重要作用。这门课程在培养能力结构、全方面的知识、极具创新力和实践力的人才上起着关键性的作用。学生走出学校这个环境以后需要有普及舞蹈教育和了解基层文化这两方面的编导能力才能立足社会，而舞蹈编导课程恰恰在塑造艺术人格、构建知识框架、激发创造性思维、全面提高个人素质上起着关键作用，它弥补了单一专业课程的不足，两者互相结合，相辅相成。

四、广泛开拓专业领域

日益增长的社会需求促使高师舞蹈专业加大了培养满足多方面需求的舞蹈专业人才的力度，师范院校本身拥有的多元化发展的环境，让学生能够在此徜徉在知识的海洋里，不断学习相关专业的知识内容。充分发挥这种良好气氛和环境是进行高等师范院校舞蹈教学的前提。学舞蹈的学生也不是单一的喜欢舞蹈，他们在唱歌、演讲、书法绘画、表演方面都表现出了很大的潜质。他们不仅仅是一科精通，还有很大的激情去发挥他们其他方面的特长。学生勤奋好学、兴趣广泛都是好的兆头。为了把学生这种积极学习性保持下去，我们除了抓专业课之外，还可以增设哲学、文学、表演、美学方面的课程，并把这些课程也纳入平时成绩中，给学生更大的选择范围，不断提高学生的艺术修养。

把专业知识的范围从单一的舞蹈领域扩展到别的艺术领域所带来的有利帮助是有目共睹的。第一，学识和修养的提高能够增加自身的理解、感染力，对学习舞蹈专业有正面促进作用；第二，把学生创造的激情带动起来，让学生逐渐开阔视野，获取丰富的知识，引发无限联想和塑造艰苦钻研的精神，带动学生富有创新的思维去实践中扩散出去。大学生面临越来越大的就业压力，多一门技能就能增加自身在社会上的竞争力，为工作创造更多的机会。所以我们要在以开发学生天赋和潜质为目的的前提下安排课程，全面提高学生素质，培养全才，从长远角度来培养学生各方面的能力。

舞蹈美育只是整个美育工程中的一个分支，通过艺术教育这个关键部分的教学来实施美育是新的世纪培养高素质、高水准创新人才的重要举措，舞蹈教育不但可以锻炼学生体质、激发学生创造性思维，还能提升学生对美的鉴赏能力，对塑造完美的人格起着关键性作用。

舞蹈作品论文篇五

一个舞蹈作品的成功，它的几个先决条件中，不可缺少的一个主要方面是需要有成功的舞蹈音乐。一个特具匠心和技巧高超的舞蹈作品，如配上一部平庸无奇的舞蹈音乐，那将是一件大失所望的憾事；真不异于一朵鲜花插在牛粪上。舞蹈音乐的优、庸，在很大程度上的确是一个舞蹈节目成功与否的先决条件。下面就以本人在舞蹈音乐创作实践中感受到的一些粗浅心得表达出来，以供业余作者在实践中作为参考。并愿得到同行们的关心和指正。

形象鲜明、风格独特的音乐主题；如果舞蹈音乐没有一个形象鲜明、风格独特的音乐主题，那么很可能这个舞蹈作品将是杂乱无章的。这与写小说和编剧本一样，是个立主脑的头等大事。音乐主题是为了统领整个舞蹈作品而浓缩成的一个音响基因。说它是基因，因为它是表达和演绎作品的最小音响单元。它既界定了作品的风格、地域，以至时代等等方面；又要在具体的谱写中，将这个音乐主题渗透到每个章节之中，甚至渗透到每个细节之中。只有这样，观众的心路才能跟着似乎耳熟的音乐语言深入其境，同时随着演员的肢体语言，而产生听觉和视觉上高度统一的艺术效果。

精心提炼、准确无疑的动作性；舞蹈音乐的动作性是舞蹈音乐与其它门类音乐作品最具个性差异的所在。曲作者如果根本就没有考虑过音乐的动作性，没有考虑过肢体动作的逻辑循环性，尤其是群舞场面，如果没有所有表演者都能分辨得出的节拍；这个节拍不仅是谱面上分得出来，更要在听觉上分得出来，也就是说，如没有不仅是乐理上说得通的，更应该是心理上感觉得到的经过精心提炼，准确无疑的动作性很强的节拍、众多的表演者心中就不能踏实；动作就不会自信；情绪就难以饱满；当然画面也就更难整洁。甚至还可能给观众带来南辕北辙，难以承受的错乱感觉。进而言之，这种可辨的节拍，又不是机械化的，如仅是机械式的节拍组合，它将可能又成为了健身操音乐，或是集体舞的音乐了。

舞蹈音乐创作过程中，在考虑音乐动作性的同时，还不能忽视舞蹈动作的表现力度。音乐一定要给舞蹈动作以明确可靠的支点。要是一个坚实的舞蹈动作碰上了一组纤柔的弱音；或一种优雅的舞蹈姿态遇见了一串坚实的旋律，真是一件令人无所适从的事了。当然，创作舞蹈音乐的过程中，在考虑音乐与肢体动作如果紧密结合时，在注意音乐本身的力度表现外，更要注意到配合好舞蹈语汇中刚、柔、静的逻辑性很强的循环节拍和激情奔放的自由节拍，以及此时无声胜有声的休止等等方面。这些就不多说了。

清晰可信、亲临其境的场景；场景音乐在任何器乐作品中都是必不可少的段落，但是在舞蹈音乐中又多了一层要求：那就是要求它既要把规定的场景表达得一览无遗；又要它适宜于用舞蹈动作来共同表现。也就是说舞蹈音乐的场景乐段必须也要好跳。这是一个不容置疑的前提，所以就不多说了。但是场景乐段在舞蹈中的重要性却是千万不容疏忽的。因为舞蹈与歌剧、戏曲、电影、歌曲不同；一般地讲，它没有必要用文字来为场景作注解。所以说舞蹈音乐的场景乐段，尤其要下工夫，当然啰，场景乐段的写作，除它本身的旋律风格之外，乐队配器上的色彩和特色乐器的运用也是重要的手段。

撩人欲动，神情兼备的节奏型；节奏型在很多情况下是舞蹈音乐的内核。那么在创作舞蹈作品中，如何将节奏型写得有声有色，真正做到撩人欲动，神情兼备的程度呢？我个人的做法是在音乐主题确定之后，并在音乐主题经过了多侧面的延伸和发展的情况下，再在这样的旋律基础上寻找具有独特风格的逻辑重音，进而凝炼成可以循环出现的节奏。在理性上www．shubaoc.com这么说还比较明了，但在感性上这样做的时候，那就得靠自己对旋律的解剖能力，对作品入木三分的理解程度和对千变万化的无数种节奏的感觉。这里除各人的悟性外，还有一个实践出真知的问题。所以说，也并不神秘。总之，舞蹈音乐中，靓丽的节奏型往往会使音乐旋律光芒四射，会使舞蹈动作更为鲜活。

以上所谈的舞蹈音乐创作中的一些要点，虽然没有搬出许多的大道理；而且也不全面，仅是自己创作实践中的一些亲身感受。对于有志于舞蹈音乐创作的同志，不知能否起到一些借鉴的作用？群众文化的蓬勃发展，使得舞蹈作品的创作，需要更多的音乐创作人员去涉及舞蹈音乐的创作。创作各种类型的舞蹈音乐是一件大有可为的事情。

舞蹈毕业论文篇六

舞蹈创作中的结构问题，不仅作为创作步骤之一来重视，而且是衡量舞蹈编导艺术功力的重要标准之一。在舞蹈创作过程中，舞蹈的结构方式一般有两种。一种是直接取材于音乐作品，在已有的音乐结构基础上，用舞蹈的物质形态将音乐内涵外化为视觉形象。另一种是确定了舞蹈题材后，谋篇布局、意境情调、音乐特色、时间长度、舞段安排均在结构这一步骤中。

无论是以情节结构、情感结构、心理结构、时空顺序结构、时空交错结构方式构建舞蹈，还是以音乐的交响乐章结构来创编舞蹈，我认为，作为舞蹈编导应该把握舞蹈结构脉络清晰、详略得当、主次分明的原则。

一方面，通过舞蹈的结构，可以让观众基本理解舞蹈编导“想要说什么”、“表达什么”；

另一方面，舞蹈艺术的重要特点之一，是在时间的流动中展现空间内容。时间长度的准确性相当重要，要看某个舞段表现的是什么，在整个舞蹈中起什么作用，过长则令人生厌，过短则使人不满足。“过”与“不及”都是美学上的失误。还有，整个舞蹈的结构既要有整体统一的格调，也要保证在统一之中的多样性色彩，力求舞蹈作品中有一个“亮点”。也就是说舞蹈的每一部分情绪都要有相应的变化，不能从头到尾都平淡无味。许多事实证明，当作品中的“亮点”出现时会给欣赏着带来极大的愉悦和强烈的感染力。

二、语言美

众所周知，舞蹈是以人的身体为物质载体并以人的肢体语言作为表现手段的一种艺术形式。由舞蹈动作所组成的舞蹈语言则是塑造形象、反映社会生活和表现舞蹈编导对生活的审美评价和审美理想的主要艺术表现手段。因此舞蹈语言的美关系到舞蹈形象塑造的是否生动、准确、感人。而创编出具有“美感”效果的语言，给人以难忘的“美感”印象，也就成为每一个舞蹈编导追求的目标。

舞蹈语言美学要求有一种说法“分散的动作以内涵结构和形式结构（即‘核’与‘形’）的一致性为前提组成舞蹈语言，这是舞蹈创作者所应有的基本修养。” 简单的理解这句话就是舞蹈创作者要让舞蹈动作所表现的内在的思想、感情、意境等与外在的舞蹈专业的技术、技巧表现要完美的统一起来，这也是舞蹈语言美学的基本要求。舞蹈语言包括动作、舞句、舞段三个层级。属于基础级的动作由动态、动速、动律、动力四个基本元素组成，也是动作具有造型美、流动美、情感美的内在因素。掌握元素的性能之后，可根据表现内容的需要将元素分解、发展、变化、重组以构成新的动作系列，并有机的组合成抑扬顿挫、起伏跌宕的流动语言，达到“核”与“形”的完美统一。人的身体的动作形成的舞蹈语言，是千变万化、丰富多彩的，只要我们用心的去感知、想象、理解并深入挖掘，那些美的舞蹈语言将是取之不尽，用之不竭的。

三、构图美

舞蹈构图也叫舞蹈画面，是舞蹈在时间和空间中的动态结构。一般指舞蹈者在舞台空间的运动线（不断变化流动的舞蹈路线或队形）和画面造型，它是舞蹈作品的重要组成部分。舞蹈编导在设计舞蹈构图时，必须从表现舞蹈作品和塑造人物形象出发，来选取适当的表现形式，安排和舞蹈动作相结合的空间线，形成不断移动的画面。空间运动线的选择和使用要根据不同线条所能引起人的审美情感的体验为其标准。如斜线和竖线能表现强劲、有力的动势，横线则较平缓，曲折线则显得游移和跳荡，弧线和曲线则能表现出流畅、柔和的情调等等。同时编导们在常用的构图方法基础上，舞蹈构图要服务于舞蹈作品内容，要从表现人物的情感和思想出发，要衬托和展现舞蹈作品的规定环境，舞蹈队形的移动变化又要符合形式美的规律和法则。舞蹈编导在独舞、双人舞、三人舞、群舞的构图时，掌握、遵循并理解这些规律和法则，在舞蹈艺术创作的实践中就会自然的将内心的美的感受外化到舞台的画面中。

四、整体美

舞蹈是一门综合的舞台艺术，除了运用人的肢体语言来作为主要表现手段以外，还依靠音乐、灯光、服装、道具等等作为辅助手段。一个成功的舞蹈作品，前期的舞蹈创作思维过程全是由编导独立完成，而后期的音乐制作、排练、合成都需要与作曲老师、演员、灯光师共同合作才能完成。因此，在各个环节编导都应该具备敏锐的、准确的审美能力和判断能力。也就是说舞蹈编导的“美的感觉”，一直要渗透到舞蹈作品产生的全部过程。这包括音乐形象是否符合舞蹈画面，音乐情绪的变化是否与舞蹈结构相吻合等！演员的表演是否到位？舞蹈服装的颜色、款式能否为舞蹈形象增色及舞台灯光的使用等一系列的问题，都需要舞蹈编导运用内心的美感去判断如何打造完美的舞蹈作品！所以，对一个作品整体美的把握，是检验编导综合能力及审美判断能力的重要指标，也是编导者抽象思维、形象思维、想象能力、情感体验、操作能力的大交织、大汇合，而这一切都是建立在舞蹈编导的美感基础之上的。

那么，舞蹈编导该如何培养和提高自己的舞蹈美感呢？我认为，首先作为一名舞蹈编导应该树立正确的世界观和人生观。舞蹈美感是一种心理机制，从人的心理活动中的情感反应来说，它必然受人的政治思想、道德观念、生活经历、知识水平、爱好情趣、个性特点等的制约和影响。“实践证明，人们只有在喜欢、爱慕、快乐、满意的情境下，机体内部舒展和谐而发生快感，这时才能产生优美的感受，而美感就是在这种生理快感的基础上发生的”。由此可见，只有热爱生活、热爱生命的人，具有积极、乐观的人生态度的人，才能更容易产生美感，才容易创作出引人奋发向上的作品来；那些总是有消极情绪、颓废思想的人其作品是很难让人引起共鸣的。其次，舞蹈编导应该热爱舞蹈事业，提高文化涵养，刻苦钻研舞蹈专业知识和舞蹈理论知识，从实践和理论中提高对舞蹈美的感知理解能力。尽可能多的掌握不同风格的舞蹈素材，在实践中深入的了解、挖掘民族的、民间的、古典的、现代的不同舞种中美的元素，多看优秀的舞蹈作品，积累丰富的经验。要深入学习舞蹈艺术概论、舞蹈美学、舞蹈心理学等的理论课程，努力把理论和舞蹈实践结合起来，把理论运用到实践中去。再次，舞蹈编导要善于在文学、音乐、戏剧、绘画、雕塑等兄弟艺术领域中吸取、借鉴美的形式，提高自身在各个领域的艺术修养。如向文学和戏剧借鉴舞蹈的结构方式，向绘画和雕塑借鉴构图的艺术等等，这对于舞蹈编导开拓思路、强化美的感受能力，都有很大的帮助。最后，舞蹈编导还是要以生活为源，善于用“舞蹈的眼睛”去观察世界，捕捉生活中美的事物、美的情感，并在继承和借鉴的基础上进行新的创造。

总的来说，舞蹈美感是舞蹈审美活动中一个比较复杂的问题，以上所谈的仅是关于在舞蹈作品的创作过程中舞蹈编导所要具备舞蹈美感的一些问题及方法。舞蹈编导和舞蹈美感的相互关系、相互作用，有待于我们在舞蹈审美活动的实践中进一步的深入学习和研究。

舞蹈论文 舞蹈毕业论文精选6篇

舞蹈毕业论文 篇一

舞蹈毕业论文 篇二

舞蹈作品论文 篇三

舞蹈毕业论文 篇四

舞蹈作品论文 篇五